A teledramaturgia brasileira sempre dialogou com a política, seja ela o foco da narrativa, como em O Bem Amado e Anos Rebeldes, ou um pano de fundo para dramas pessoais, como em Queridos Amigos. Infelizmente, o tema vinha sendo deixado de lado na TV, renegado a produções de pouca relevância, como a vergonhosa Amor e Revolução. Neste sentido, a nova minissérie da Globo resgata o tema e dá a ele um tratamento de qualidade: Se Dercy de Verdade não fez muito barulho, O Brado Retumbante é uma forte candidata a nova produção antológica da emissora, no patamar de A Casa das Sete Mulheres e Agosto.

Muita gente que eu conheço só liga a TV para assistir a filmes ou a produções do exterior – e eu não os julgo. Os canais abertos brasileiros dão exemplos tristes de manipulação, pão e circo e baixa qualidade em geral. Garimpar no meio de tanta porcaria programas que valham a pena é uma tarefa cada vez mais difícil. Por isso, esforços como O Brado Retumbante, no que diz respeito à dramaturgia, merecem nossa atenção. A questão política, se a minissérie seria ou não o início de uma campanha pró-Aécio da emissora, não me sinto na competência de julgar, e nem é este o objetivo deste post, que foca-se nos seus méritos enquanto ficção televisiva.

Um político sonhador, idealista, encarado sem seriedade por seus adversários, apesar da opinião pública favorável, vê-se repentinamente assumindo o cargo de Presidente da República, que ele nunca almejou nem mesmo em seus sonhos mais absurdos, após um acidente aéreo. Essa história seria muito mais interessante se desenvolvida em um ritmo mais lento, com maior enfoque no psicológico de seus personagens. Mas é um pouco utópico esperar que a série seja uma The West Wing tupiniquim: O Brado Retumbante tem o desafio de agradar um público preguiçoso, de trazer os bastidores do Planalto para a TV aberta em um país onde todos saem da sala quando começa o horário político.

O primeiro episódio, O Presidente Acidental, apresenta as situações, os personagens e suas funções dentro daquele panorama político nem tão fictício assim com todo o didatismo que o tema lhe permite, desde jornalistas explicando tudo pormenorizadamente à audiência a personagens lembrando constantemente ao protagonista Paulo Ventura (Domingos Montagner, Cordel Encantado) os cargos ocupados por seus adversários. Esses recursos, entretanto, não chegam a irritar, e são mais do que necessários no primeiro episódio de uma série que tem como lead-in o Big Brother Brasil – programa cuja audiência, no geral, é desatenta e gosta de tudo mastigadinho.

A trama apresentada foi mais do que satisfatória. Os desafios que Paulo tem à sua frente, tanto em sua vida pessoal quanto em seu governo, instigam e te fazem querer acompanhar mais. A minissérie nem tenta abandonar a moral preto-e-branco, as tramas novelescas ou os alívios cômicos caricatos, mas faz tudo isso com inteligência. Você não se sente assistindo a uma novela das oito melhor produzida: é um material diferenciado e superior em todos os aspectos. O roteiro funciona bem para a audiência convencional e também para nós, que preferimos a qualidade da TV lá de fora e ficamos constantemente frustrados com o cancelamento precoce de boas produções nacionais, como a divertida Decamerão. Gregos e troianos saem satisfeitos desta positiva experiência.

Os personagens introduzidos até aqui são bons, mesmo que relativamente simples. Para tentar tirar o protagonista da apática posição de bom moço, o roteiro caracteriza-o como um mulherengo cafajeste, o que o torna mais real, mas nada dúbio e longe do anti-heroísmo. Mesmo assim, ele é carismático, suas atitudes são, de certa forma, compreensíveis e a atuação de Domingos torna-o crível (vide a ótima cena final, em que ele toca o hino nacional em um oboé). Antônia (Maria Fernanda Cândido), a ex-mulher de Paulo que aceita manter com ele uma relação de aparências até que seu mandato como presidente acabe, é uma personagem densa, ressentida, deprimida, e ao mesmo tempo forte e elegante, a típica esposa de protagonista que não consegue equilibrar os negócios com sua vida familiar (uma versão menos chata da Skyler, de Breaking Bad). O ótimo Cacá Amaral é Saldanha, inseparável grilo falante de Ventura, que aconselha-o em todos os âmbitos de sua vida, em uma amizade de longa data que lembra a de Leo e Bartlet da já citada The West Wing.

Maria do Carmo Soares interpreta a mãe de Paulo, Julieta, a melhor personagem cômica da minissérie, mesmo que incorpore o esteriótipo da velha rabugenta. Alessandra (Alinne Rosa, vocalista da banda Cheiro de Amor) é a amante de Paulo, que promete causar problemas para o presidente e rendeu uma cômica reviravolta no final do episódio. No grupo dos vilões, temos os geniais José Wilker e Luiz Carlos Miele como o Ministro Floriano e o big bad Senador, respectivamente. Eles pouco fizeram no episódio e aparentam ser personagens bastante planos, mas a cena no banheiro (com direito a palavrão e tudo) foi suficiente para torná-los interessantes.

Outros personagens apresentados, mas sobre os quais não sabemos muito, são a repórter Lúcia Wolf (Cristina Nicolloti), a terapeuta Regina (Ida Celina), o garçom “amuleto” de Ventura Oscar (Francisco Gaspar), o geek-prodígio Spencer Reed Otacílio Júnior (Jui Huang), a deputada protegida de Paulo Fernanda Drummond (Mariana Lima), a filha mais velha de Paulo, Marta (Juliana Schalch) e seu marido empresário Tony (Leopoldo Pacheco). E novos personagens aparecerão em breve, inclusive o polêmico filho de Paulo.

A produção tem ares cinematográficos. A câmera imita a de um documentário e a fotografia é sóbria, dando o tom de seriedade que a minissérie pede. Os cenários estavam impecáveis (ótima sacada transferirem o Palácio do Planalto para o Rio) e a produção é caprichada (os recursos gráficos me lembraram de Fringe). O roteiro usa alguns momentos da história política do Brasil e do exterior para fazer-se mais palpável, e o resultado é bastante positivo.

Minha recomendação é que você assista O Brado Retumbante, seja quais forem suas preferências políticas. Provavelmente é a melhor obra de ficção nacional na TV aberta, atualmente. Mas recomendo que aqueles que costumam ser chatos com produções brasileiras (não críticos, mas chatos, implicantes) passem longe. Já li críticas ao enredo, porque um presidente e um vice-presidente nunca viajam no mesmo avião (isso quando análises de DNA em séries americanas são feitas em cinco minutos), por não retratar a realidade da política brasileira (sendo que o slogan da minissérie é “O Brado Retumbante: um país, um presidente e uma realidade ideais“) e por não educar o telespectador brasileiro enquanto cidadão votante (sendo que esta nunca fora a pretensão da série – e se ela não educa, não colabora com a alienação). Para os profissionais que trabalham com mídia audiovisual no Brasil, colocar material inteligente e de qualidade no ar já é um desafio tremendo, portanto não há porque ficar gastando seu tempo tentando dificultar as coisas.

E você, assistiu? Gostou? Vote na enquete:

“Dia 20 de novembro é o Dia da Consciência Negra. Em 1971, o poeta, professor e pesquisador gaúcho Oliveira Silveira, um dos fundadores do Grupo Palmares, propôs uma data que comemorasse a tomada de consciência da comunidade negra sobre seu valor e sua contribuição no país. O dia 20 de novembro foi escolhido por ser o provável dia da morte de Zumbi dos Palmares, o último líder do Quilombo dos Palmares, assassinado em 1695.

A presidenta da República, Dilma Rousseff, sancionou este mês a Lei 12.519, que institui nacionalmente o Dia Nacional de Zumbi e da Consciência Negra, a ser comemorado, anualmente, no dia 20 de novembro.”

(Leia o restante da explicação e blogagem coletiva sobre o dia da Consciência Negra aqui)

Mas, quem caiu agora no Apaixonados por séries, pode estar se perguntando: e o que isso tem a ver com as séries? Bom, sabemos que o racismo é um problema mundial, que é exposto quando trabalhamos com a dicotomia branco X negro. O Brasil, mesmo sendo um país miscigenado e com grande parte da população de negros, pardos e mulatos, não tem essa realidade refletida em novelas, séries na TV e filmes. Basta assistir a alguns programas para perceber que a maioria dos atores são caucasianos.

Algo semelhante acontece nos Estados Unidos, o berço da maioria das séries que nós, seriadores, costumamos assistir. Mas lá, ao contrário daqui, poucas vezes temos personagens brancos e negros com a mesma importância para o enredo ou negros em posições de destaque, como diretores e presidentes (fizemos uma lista pequena no ano passado). A exceção, baseada somente em observações minhas (e ficaria muito feliz se os leitores apontassem outros seriados do tipo), são as séries de Shonda Rhimes (criadora de Grey’s Anatomy e Private Practice), onde os afro-descendentes são muito mais do que somente os casos da semana, com mais de um negro como personagem fixo.

O elenco principal no começo de Grey’s Anatomy

Nos Estados Unidos também tem as “black sitcoms”, que são séries de comédia que duram 20 minutos com um elenco afro-descendente ou um afro-americano como protagonista. Elas existem desde os anos 1950, no início da televisão, mas teve o seu auge nos anos 1990, com a série Fresh Prince of Bel-Air (Um Maluco no Pedaço, como nomeou o SBT) como um dos maiores sucessos do gênero no Brasil.

Segundo a Wikipedia, as redes de televisão americanas são criticadas pela National Association for the Advancement of Colored People (NAACP) por não retratarem a diversidade étnica do mundo real nas séries dramáticas. É um assunto complicado, pois as pesquisas mostram que dramas com temas e elenco não-caucasianos não têm retorno suficiente para permanecerem no horário nobre das redes. Porém, a os negros representam mais de 20% dos telespectadores.

Enquanto isso, as black sitcoms frequentemente estão entre os 10 programas de maior audiência dos canais, mas têm pouco sucesso entre o público branco, que alegam que não entendem o tipo de humor afro-americanos. As sitcoms do ator Bill Cosby foram as que abriram as portas para um humor facilmente transitável entre estes dois públicos, embora também tenha contribuído para a formação do estereótipo de personagens negros (aqueles que falam meio cantado, meio malandro, em uma linguagem menos formal, sempre pontuando as frases com a mão na cintura e balançando a cabeça ao estilo Fat Family).

Os críticos dizem que os negros não são bem retratados nas black sitcoms, sendo somente uma “família negra com valores caucasianos” e falhando ao não retratar a cultura negra. Podemos ver este exemplo em séries como My Wife and Kids (Eu, a patroa e as crianças, no Brasil). Convenhamos, não faz diferença a etnia da família, os Kyle nunca (ou muito raramente) sofriam discriminação por serem negros – algo que é recorrente na vida de um afro-americano – e todos os seus problemas podiam ser comuns a qualquer família, como brigas entre irmãos, gravidez na adolescência, etc. Não que isso em si seja ruim; só que estão retratando uma família de classe média como qualquer outra e falta essa crítica social tão presente na vida de quem é discriminado.

A família Kyle, de My Wife and Kids

Em outra série mais recente, State of Georgia (confira as nossas primeiras impressões da série), temos uma garota (a Georgia do título) tentando ser atriz na cidade grande, enquanto vive no luxuoso duplex da tia, também negra. Em nenhum momento da primeira temporada ela sofreu algum tipo de discriminação por ser negra e só não consegue o papel dos sonhos porque o Universo conspira contra ela. Mas em uma televisão (e cinema) onde personagens negros são escassos, os roteiristas tinham a responsabilidade colocar uma crítica ao seu próprio ambiente e mostrar que não é a cor da pele que determina a qualidade de um ator.

O exemplo menos controverso é a já citada Fresh Prince of Bel-Air. A família do Will (Will Smith) era rica, mas eles constantemente eram lembrados que eram negros e mostrava o racismo que sofriam, mesmo estando no topo da pirâmide social. O Tio Phil (James Avery) era um advogado de sucesso que às vezes tinha seus valores e ética questionados por não ser caucasiano; em outro episódio, Will e o primo Carlton (Alfonso Ribeiro) sofreram discriminação por parte de policiais por serem negros e estarem dirigindo muito devagar um carro de luxo.

Saindo do mundo dos ricos e luxuosos, temos a ótima Everybody Hates Chris, que mostra como foi a pobre infância do comediante Chris Rock vivendo em Brooklyn, os perrengues que os pais passavam para criar os filhos e a constante discriminação por ser o único negro da escola. Enquanto Fresh Prince apelava para o drama para conscientizar o telespectador do racismo, Everybody Hates Chris faz piada de todas estas situações e chega a colocar uma professora que “privilegia” o personagem principal por achar que a família dele é paupérrima só porque ele é negro.

Acerola e Laranjinha, protagonistas da série brasileira Cidade dos Homens

Para ser justa, o Brasil recente também deu destaque aos negros em suas séries, mesmo que não sejam no formato sitcom. Entre 2002 e 2005, tivemos a exibição do seriado Cidade dos Homens, que contava a vida dos adolescentes Acerola (Douglas Silva) e Laranjinha (Darlan Cunha) que, além de passarem pelos problemas típicos da idade, também conviviam com os problemas de favelas no Rio de Janeiro, como o tráfico de drogas, violência e dificuldades financeiras. Cidade dos Homens pode ser considerado uma extensão do ótimo filme Cidade de Deus, por ter sido baseado no mesmo livro de Paulo Lins (homônimo à produção cinematográfica), e por terem uma estrutura narrativa bem parecida.

Pessoalmente acredito que ter séries com vários personagens negros (e hispânicos e asiáticos, só para constar) ou com o elenco principal afro-descendente é algo positivo. Pelo menos, não estão tentando esconder que o país não é feito somente de caucasianos, ignorando a diversidade de etnias que convivemos no dia a dia e pode ajudar a diminuir o preconceito que sofrem só porque são de uma cor diferente. Para as minorias, é importante se ver e se sentir representado na telinha (e telona do cinema), ser incluso na sociedade como o cidadão que é.

O programa, exibido entre 2001 e 2003, foi a primeira série que assisti, então tenho um carinho especial sobre o show, que retratava a vida cotidiana de um casal de paranóicos e malucos, Rui (Luiz Fernando Guimarães) e Vanilce (Fernanda Torres), ou Vani para os íntimos. Os protagonistas retratam um típico casal de classe média brasileiro, na faixa dos trinta anos, que são noivos há mais de cinco anos.

O casal, aparentemente, é um “casal normal”: Rui é tranqüilo, bem humorado e trabalha em uma empresa no setor de marketing; Vani é temperamental, agitada e compradora compulsiva, que trabalha em um uma loja de roupas. A primeira vista é um casal como qualquer outro que nós conhecemos, no entanto, os dois se revelam supersticiosos, preconceituosos, paranóicos e cheios de falhas de caráter, o que faz, ainda mais, nos identificar com seus defeitos e maluquices.

No terceiro ano da série, e como parte da evolução de Os Normais, integraram o elenco fixo do show os atores Selton Mello e Graziela Moretto. Selton, que já havia participado em um episódio de Os Normais, interpreta Bernardo (a.k.a Bernardo Carlos, voz e violão), um cantor de barzinho que vira grande amigo de Rui. Já Graziela dá vida a Maristela, uma professora de química.

O que torna a série fenomenal são as infinitas, e absurdas, teorias de Rui e Vani sobre todo e qualquer fato do dia-a-dia de um casal, o que torna qualquer tipo de atividade e/ou interação motivo de divertidos diálogos e mal entendidos.

Principalmente nos primeiros dois anos do show, quase 100% das cenas eram feitas no apartamento de Rui, o que exigia um roteiro aprimorado. Méritos para os criadores e roteiristas do programa, Alexandre Machado e Fernanda Young que, casados na vida real, inspiravam-se em fatos de suas vidas, bem como de seus amigos e conhecidos, o que envolvia um longo processo de percepção do meio em que conviviam.

Os atores principais possuíam uma química excelente e as cenas de Rui e Vani no banheiro ou deitados na cama são impagáveis, evidenciando que, com um roteiro bem escrito e atores entrosados não há necessidade de super produções. Até as mais absurdas situações tornavam-se verossímeis com a atuação de Luís Fernando e Fernanda. Como exemplo, os diálogos finais dos episódios, geralmente feitos dentro do carro, eram todos improvisados.

Segundo a Rede Globo:

Os normais mesclava elementos de televisão, cinema e publicidade. Os diálogos e a edição eram rápidos, ágeis, apresentando personagens e delineando as tramas paralelas de forma sucinta e econômica. O texto brincava com a metalinguagem. Os personagens falavam diretamente para a câmera, com freqüência, e faziam comentários sobre a produção.

 

O seriado foi sucesso de público e crítica. Não obstante, se tornou objeto de “orgulho” da Globo, o que fez com que vários atores do elenco da emissora participassem de Os Normais, como Juliana Paes, Diogo Vilela, Cláudia Raia, Edson Celulari, entre outros.

Abaixo, segue parte do episódio “Implicância é Normal”, exibido na primeira temporada da série:

Apesar do sucesso, em 2003, elenco e autores decidiram que a terceira temporada do show seria a última, pois acreditavam que a fórmula havia se esgotado. O que se mostrou uma decisão acertada, já que o programa terminou em alta, deixando ótima impressão e abrindo caminho para o lançamento dos filmes Os Normais – O Filme (2003) e Os Normais 2 – A Noite Mais Maluca de Todas (2009). Bem que algumas produções americanas poderiam seguir esse exemplo, não é verdade?

Em 2009 foi noticiado que a Globo estava em negociações para vender os direitos da produção para a Sony, a fim de criar a versão americana de Os Normais. O show seria produzido no exterior, em inglês, com atores americanos e seria exibido na TV aberta. Entretanto, até o momento, não há nenhuma informação de quando, ou se, a série irá ao ar.

Segundo a criadora da série, Fernanda Young, Rui e Vani são um casal que serve como um espelho das pequenas maluquices que andam pela cabeça de qualquer pessoa dita “normal”. Então, se você ainda não assistiu Os Normais está na hora de dar uma chance para uma produção 100% brasileira e 100% genial.

Friends

Impossível não começar a lista com Friends. Você pode até ter a sua personagem preferida (no meu caso é a Phoebe), mas duvido que consiga imaginar a série sem algum destes. Friends sem Ross? Nunca. Friends sem Joey? Nunca. Sem Monica, Rachel, Chandler e Phoebe? NUNCA! Cada um é especial e importante para fazer dela uma das melhores comédias de todos os tempos (provavelmente a melhor). Os atores não são espetaculares – Jennifer Aniston, por exemplo, não é um exemplo de versatiidade – mas um completa o outro e o resultado é tão satisfatório que a gente nem liga de assistir 500 vezes o mesmo episódio.

The Good Wife

A meu ver, esta uma das melhores séries de TV em exibição atualmente. O elenco é super bem escolhido. Christine Baranski está ótima no papel de Diane. Vocês se lembram do episódio, ainda na 1ª temporada, quando ela dá uma gargalhada no final após ser tida como lésbica por um jornalista? Achei tenebrosa. Julianna Margulies então nem se fala. Sua Alicia Florrick é contida, direta e muito competente. O elenco masculino não fica atrás, como o Chris Noth, que encarna bem o papel de um marido e procurador cheio de nuances. E, como não poderia deixar de ser, a melhor de todas: a atriz inglesa de origem indiana, Archie Panjabi. A investigadora Kalinda deve ser, provavelmente, a personagem favorita dos fãs da série e o mérito, em grande parte, é da atriz. Atuação impecável que lhe rendeu um Emmy de Melhor Atriz Coadjuvante mais do que merecido.

United States of Tara

Toni Collette é Deus. Faltam-me adjetivos para elogiá-la. Uma atriz que representa praticamente metade do elenco de United States Of Tara. Buck, Alice, T., Franguinha, Gimme, Shoshana e Tara são a mesma Collette, porém, quando surgem no vídeo parecem ser representados por atrizes completamente diferentes. Toni é tão boa que consegue interpretar sete personagens diferentes sem repetições, sem falhas. Mais afinada que isso é impossível. O restante do elenco dá o suporte necessário para manter a qualidade da série, com destaque especial para o jovem Keir Gilchrist, interprete de Marshall, o filho da protagonista.

Skins (UK) – 1ª Geração

A primeira geração de Skins será sempre a minha favorita. Não apenas o elenco foi bem escolhido, como os personagens, no geral, eram encantadores. Confessos que tenho birra com o Anwar (Dev Patel), pois acredito que ele foi mal aproveitado (o drama religioso valeria um bom plot). Porém, isso não estraga o conteúdo da série. Dentre o elenco, minha favorita é a gracinha Hannah Murray, a Cassie. Ela soube dar o tom mais certo à personagem, uma menina cheia de problemas e inseguranças, mas que não perde o jeito angelical que lhe é natural. Além disso, nos rendeu uma das melhores cenas de Skins (aquela em que ela corre pelas ruas de Nova York). O restante da turma também é muito competente. Sid e suas trapalhadas, Chris e suas loucuras, Tony sempre manipulando seus amigos, Maxxie, que apesar de gay é objeto de desejo das meninas fãs da série. O elenco é tão bom que esta é a única geração de Skins em que é possível gostar de todos os episódios.

Chaves

Chaves, Chiquinha, Quico, Seu Madruga, Dona Florinda, Dona Clotilde… Ufa. São todos apaixonantes. É preciso, muitas vezes, lembrar ao povão que Chaves também é série. Fazer um Top dos melhores e não colocar Chaves é um pecado. O elenco brilhava em todos os capítulos, com atores engraçadíssimos e que fizeram da nossa infância uma fase muito mais especial. O curioso é que fora das telas eles não eram assim tão afinados, inclusive, brigas nos bastidores foi um dos motivos para a separação do grupo. Porém, frente às câmeras tudo era perfeito. Quem é fã gosta de todas as personagens, cada uma com seus respectivos bordões, seus trejeitos, suas piadas já conhecidas e repetidas, mas que não saem das nossas cabeças.

Modern Family

Faz um tempo que Modern Family já não é mais a minha comédia favorita (depois de Community, Parks & Recreation e 30 Rock fica difícil colocá-la em 1º lugar), mas é inegável o quanto o elenco dessa série é maravilhoso. São todos divertidos, inclusive o elenco jovem (com destaque para o jovem Nolan Gould, o bobalhão Luke). Entre os adultos fica até difícil destacar alguém. Um completa o outro, como deve ser uma família, e o resultado é um conjunto de cenas hilárias, como quando a Gloria (a ótima Sofia Vergara) mata um rato com a pá de pedreiro e deixa o marido e filho assustados. Por falar nela, a latina é a minha favorita (quem não se lembra do “El Diablo”). Enfim, os produtores acertaram em cheio quando reuniram esse grupo.

Community

Algumas coisas neste mundo são inexplicáveis. Um exemplo: Como Glee pode receber um prêmio de melhor comédia e Community não? Vai entender. Anyway, o fato é que Community é genial. A melhor comédia atual, a mais engraçada, a mais inteligente e com o melhor elenco. Os atores são ótimos ou, em alguns casos, excelentes. Não consigo pensar no grupo de estudo de espanhol/antropologia sem Jeff, sem Britta (que eu adoro), sem Annie (que eu adoro também), sem Abed, sem Troy, sem Pierce, sem Shirley e sem o ex-Sr Chang. Os episódios são tão bons que alguns já são considerados épicos (destaque especial para Modern Warfare). Eles brigam muito, criam situações insanas e fluem maravilhosamente bem juntos.

Shameless

Shameless é uma das minhas favoritas entre as estréias desse ano. Além da história interessante, o que me chama mais a atenção é a qualidade com que as personagens nos são apresentadas. Uma família disfuncional, mas encantadora, desde o pai bêbado e egoísta (muito bem interpretado por William H. Macy), passando pela filha responsável Fiona (melhor papel da Emmy Rossun até hoje) e “patinando” pelos filhos mais novos, um mais interessante que o outro. O elenco jovem é talentoso e faz a trama ganhar força em momentos engraçados e dramáticos. A família Gallagher funciona e faz valer a pena os quase 50 minutos de cada episódio. Porém, o maior destaque (pelo menos até o final da 1ª temporada) atende pelo nome de Joan Cusack, no papel de Sheila. A personagem é maravilhosa. A atriz está impecável no papel da dona de casa que não põe os pés na rua, ás vezes super engraçada, outras mais densa, mais dramática. Eu poderia mencionar seus melhores momentos, mas são tantos que o texto ficaria muito extenso.

Pushing Daisies

Essa foi embora cedo demais. Pushing Daisies é uma das séries mais pitorescas que eu já assisti. Original, uma das poucas (talvez a única) que sabia falar sobre a morte de uma maneira tão bonita. E o elenco…. Ah, o elenco era riquíssimo. Lee Pace (que eu conheci em Wonderfalls – outra que eu adoro) estava ótimo no papel de Ned. O tempo todo nós torcíamos para que um dia, finalmente, ele pudesse beijar a Chuck (Anna Friel). Porém, o grande destaque da série ficou por conta da coadjuvante Olive Snook, atuação da pequenina e muito talentosa Kristin Chenoweth. Perdi a conta das vezes em que morri de rir com as bobagens dela (gosto muito quando ela surge cantando no convento). A atriz é ótima e responsável por várias cenas marcantes da série.

A Casa das Sete Mulheres

Produção brasileira de qualidade. Em minha opinião, a melhor minissérie que a Globo já produziu. As sete atrizes (as tais sete mulheres do título) foram interpretadas por um elenco muito, muito, muito bom. Atrizes como Mariana Ximenes, que hoje é um dos destaques da TV e tida como promessa entre os atores da nova geração, começaram a ganhar força nessa minissérie. Ximenes, Daniela Escobar, Samara Felippo (uma surpresa e tanto), Nívea Maria (impecável), Camila Morgado (outra ótima surpresa) e Bete Mendes representaram diferentes mulheres, com diferentes anseios, e que renderam cenas inesquecíveis. Os últimos 10 minutos da série resumem bem o que eu estou dizendo. Uma obra prima que todos deveriam assistir.

Aceitamos sugestões :)

Ela saiu de Palmas (TO) para comprar um edredom e enterrar o pai em São Paulo.

E lá ficou.

Lançada em 2008 pela HBO, Alice é uma produção 100% nacional que conta, até o momento, com uma temporada de 13 episódios e dois especiais (telefilmes) de 90 minutos cada. Sucesso de público e crítica, a série é a principal responsável por lançar Andréia Horta (de “A Cura”, da Globo) no mercado televisivo. Ao que tudo indica e para a alegria dos fãs, teremos uma nova temporada em 2012. Porém, enquanto o próximo ano não chega podemos aproveitar para assistir ou rever (como é o meu caso) aos episódios iniciais desta série que vale cada minuto.

Não quero que seja certo. Só quero que seja.

Alice é uma jovem guia turística em Palmas, capital mais jovem do Brasil. Ela vive com sua avó Glícia (interpretada por Walderez de Barros) e seu irmão Duda (Felipe Massuia). Prestes a se casar com Henrique (Marat Descartes), Alice parece levar uma vida tranquila. A situação muda quando recebe um telefonema de São Paulo avisando que seu pai, que vivia com outra família, havia se suicidado ao se jogar do 12º andar do prédio onde morava. Alice deixa o Tocantins para ir ao enterro do pai, acertar todos os detalhes da herança e, de quebra, comprar um edredom.

Chegando a São Paulo, Alice é amparada por sua tia Luli (Regina Braga), uma cinquentona, solteira, lésbica, adepta ao uso do skank e irmã de seu falecido pai. Ela também conhece outras pessoas que serão responsáveis por lhe transportar a um “novo mundo”. Parece exagerado falar assim, mas a verdade é que a passagem de Alice de Palmas para São Paulo lhe proporciona uma transformação tão grande e cheia de novas experiências que ela já não parece mais viver no mesmo mundo. Aliás, a idéia do nome Alice, ao que tudo indica, está relacionada fortemente à história de Alice In Wonderland (o canal Syfy (EUA) também “brincou” com a personagem ao criar a minissérie Alice). A diferença é que São Paulo é um “país das maravilhas” menos bonito, mas poético e interessante da mesma forma.

Eu tive a sorte de assistir Alice na época certa. Estou com 23 anos e nos últimos meses tenho passado por experiências incríveis e conhecido pessoas maravilhosas. O que mais quero hoje em dia é explorar. Conhecer-me. Conhecer o mundo. Alice é assim e por isso me identifiquei tanto com a personagem. E qualquer um que busque entender a si mesmo vai se identificar também.

Os amigos são a família que escolhermos ter

Durante a primeira temporada somos apresentados a um grupo de coadjuvantes interessante e que, pouco a pouco, ganha espaço com suas próprias histórias.

Nicolas (Vinicius Zinn) é um dos parceiros de trabalho de Alice. Ele sempre arranja uns “bicos” para ela. O cara é meio grosso, metido a machão, mas com o tempo vai amolecendo. No fundo, ele gosta dela.  Lourenço (Eduardo Moscovis) é um dos parceiros sexuais de Alice. Ele aparece sempre atrás de sexo. E Alice, que não é santinha, não exita em abrir as pernas para ele.

Outra que merece destaque é a chefe de Nicolas, Renata (Guta Ruiz, do filme Bruna Surfistinha – a nossa Belle brasileira, mas com menos classe), sempre fumando, bastante rígida no trabalho e com cara de poucos amigos. Curiosamente, ela é a responsável por alguns momentos engraçados, principalmente quando se envolve com seu motorista, o porto riquenho Angel (Daneri Gudiel). Apesar de feioso, o cara tem um jeitão meio latin lover que Renata não consegue agüentar.

O trio Dani (Luka Omoto), Marcela (Gabrielle Lopez) e Téo (Juliano Cazarré) protagonizam cenas quentes de sexo. Dani é a mais fofinha, uma das minhas favoritas. Marcela é modelo, adora uma festinha regada à drogas e álcool e vive bancada pelo dinheiro do pai. Já Téo, namorado de Dani, está sempre entre as duas. Literalmente. Outras que ganham espaço são Maria Célia (em uma atuação fraquíssima de Daniela Piepszyk), irmã de Alice por parte de pai, e sua mãe Irislene (Carla Ribas), no estilo madrasta antipática.

Cada um deles torna-se importante para Alice. Os momentos alegres, os momentos tristes, as badalações, as aventuras, os momentos de perigo… São com essas pessoas que Alice divide sua vida ao chegar a São Paulo e a química é tão grande que passamos a gostar um pouquinho de cada um deles.

A poesia que existe em São Paulo

Alice se apaixona por São Paulo. Quem mora ou já passou por lá sabe o quanto a cidade é complexa. Lugares lindos, lugares horrorosos, lugares únicos, lugares fedorentos (o centro da cidade, por exemplo). Até hoje não assisti a uma produção que retratasse São Paulo de forma tão verdadeira, tão apaixonante. As cenas foram gravadas em locais reais da cidade e o resultado é um primor. Até mesmo as locações mais pobres, cheias de muros pichados, nos chamam a atenção.

Há uma cena em particular em que a Dani passeia de bicicleta pela cidade do centro até o bairro da Barra Funda. É simples, mas lindo. Pura poesia. Os produtores conseguiram transformar a pobreza que existe em determinados pontos de São Paulo em algo bonito de se ver. É óbvio que há diversos problemas na cidade, mas meu objetivo aqui não é comentar do ponto de vista social. Quero apenas dizer o quanto São Paulo é interessante apesar de tudo. Poderia citar vários pontos mostrados em cena, mas prefiro destacar o Viaduto do Chá, o Minhocão, a Lapa, o Ibirapuera, o centro da cidade (região de Santa Cecília, se não me engano) e a Barra Funda.

Sexo, drogas e… mais sexo

Percebemos também que Alice não é uma pessoa muito correta (fator que contribui muito para a personagem em si). Pra começar, ela não pensa duas vezes antes de trair Henrique (que continua em Palmas). No piloto percebemos ela vai para a cama com um gringo loiro, galã e muito mais interessante que seu noivo. Podemos julgá-la? Ela é aquele tipo de garota que namora o mesmo cara há anos. A própria personagem diz em determinado trecho que já não lembrava mais qual a era a sensação de estar com outro homem. A vida é curta (clichê, mas é verdade). Será que vale a pena ficar se prendendo a uma pessoa durante uma fase em que o melhor é se soltar?

Além do sexo, Alice também experimenta um pouco do ‘mundo’ das drogas. Cocaína, maconha… Longe de mim incentivar o uso de entorpecentes, mas também sou contra qualquer tipo de privação.  Alice vai fundo em todos os sentidos. A personagem se entrega de corpo e alma a tudo. Ela é intensa na alegria e na tristeza. Pode quebrar a cara (e quebra muitas vezes), mas pelo menos ninguém pode dizer que ela não tentou. Esse é, definitivamente, um dos maiores méritos da personagem: Se entregar a tudo que acredita.

Made in Brazil

E pra fechar este especial vale ressaltar que Alice é uma série nacional com cara de série. Esqueçam aquele padrão de séries que parecem novelas filmadas pela Rede Globo. Alice é “coisa fina”, tem estilo de produção americana e não deve em nada as tramas internacionais. O jornalista Daniel Castro diz que Alice é cinema feito para TV. Méritos da HBO, um dos melhores canais no quesito qualidade, e dos diretores Karim Aïnouz e Sérgio Machado.

Observações:

- O piloto, a meu ver, não é muito atraente. Algumas cenas são muito demoradas. Mas não se engane: Alice vale a pena ser vista e a partir do segundo episódio a trama começa a se desenrolar, a fluir melhor. Pode acreditar

- A crise econômica de 2008 é a responsável por não existir, até o momento, uma segunda temporada. Para que o público não se esquecesse de Alice, a HBO produziu dois telefilmes exibidos no final do ano passado: “O Primeiro Dia do Resto da Minha Vida” e “A Última Noite”. Os dois são ótimos, principalmente o segundo (que parece um pesadelo, todo filmado a noite). É bem provável que a série retorne em 2012

- Monique Evans, Nicolas Siri e Barbara Paz são alguns dos atores que fazem pontas em Alice. Todos ótimos (até mesmo a Titia Monique).

Dê uma chance à série. Alice é uma produção brasileira que merece ser vista.

Desperte…

Alucine…

Reinvente-se!

A televisão norte-americana é diferente da televisão brasileira em inúmeros aspectos. A maior diferença entre as televisões, talvez, esteja na ousadia das mentes criativas por trás das suas respectivas produções e, mais importante ainda, direções. No Brasil, em 2004, a Rede Globo vetou aquele que seria o primeiro beijo gay em uma produção da televisão aberta brasileira. O beijo aconteceria entre os atores Bruno Gagliasso e Erom Cordeiro, na novela América. No ano anterior, em 2003, a mesma rede de televisão havia exibido um beijo lésbico entre as atrizes Aline Moraes e Paula Picarelli. Quer dizer, não um beijo, um selinho, nada mais. Alguns, consideram avanço, eu não. Na minissérie Queridos Amigos (2008), houve a exibição de um beijo entre os personagens Benny e Pedro Novaes, interpretados, respectivamente, por Guilherme Weber e Bruno Garcia. Entretanto, a cena em questão foi um beijo roubado e não um ato consciente entre as duas partes. Alguns, novamente, consideram avanço. Eu não.

E se estamos falando da Rede Globo e suas censuras, não é possível nem estender o assunto às outras emissoras brasileiras tendo em mente que, das poucas que produzem seus próprios conteúdos de entretenimento e arte, um beijo gay/lésbico não teria nem lugar nem espaço. É tudo muito velado, feito às escondidas. Preferem dar a entender que um beijo seria o desfecho de uma cena a realmente mostrá-lo. A sociedade brasileira ainda é presa em conceitos que hoje não fazem muito sentido; os principais deles, claro, aqueles galgados em princípios religiosos. Mas este já é outro campo de discussão, deixemos para outro momento. Quem não se lembra do papel de Débora Falabella na novela de Glória Perez, O Clone (2001)? Ela interpretava uma menina que vivia nos padrões da classe alta brasileira e era viciada em cocaína. É importante que realidades como essa sejam mostradas ao público. E não é isso que critico nas produções brasileiras. O que me preocupa, na verdade, é a forma que essas realidades são apresentadas ao público. O conservadorismo, também, é um dos fatores que impedem essa situação de ser diferente.

Nos Estados Unidos – e aqui abro um espaço para deixar claro que os Estados Unidos não são, não foram e talvez nunca venham a ser um modelo 100% correto a se seguir, mas, neste caso, acho que a televisão brasileira teria muito a aprender com os habitantes da parte norte da América -, as televisões aberta e fechada vivem outra realidade. Enquanto no Brasil assuntos como o falado beijo gay ganham discussões fervorosas ao redor do país e, ao final, o ato em si, nas produções, acabam vetados, a série Big Love, exibida pelo canal pago HBO, por exemplo, provocou a sociedade norte-americana com a revelação de que um de seus personagens principais é gay. A série, que conta a história dos mórmons poligamistas de Utah, provou que sabe contar uma história forte, independente do assunto que for.

Na trama, Matt Ross vive Alby Grant, um polígamo marido de três esposas. Grant, depois de passar anos procurando apenas sexo por sexo com outros caras em diversos lugares (parques, banheiros públicos), envolve-se sentimentalmente com Dale Tomasson, interpretado por Benjamin Koldyke – na trama, também casado. Depois que a mulher de Dale descobre sobre o affair deles, ele suicida-se. É disso que eu falo. A forma de se contar uma história, de se mostrar os tipos de realidades que uma boa parte da humanidade vive. Quantos são os homens casados  hoje que se relacionam com outros homens e colocam suas mulheres à mercê de doenças sexualmente transmissíveis como a AIDS, por exemplo? E há quanto tempo isso não se configura uma realidade não só brasileira como mundial?

Momentos da trama de Breaking Bad; nas imagens menores, a do centro, o ator Angelo Martinez,
que na trama, com 10 anos, é assassinado por causa do tráfico.

Outra série ousada, exibida pelo também canal pago AMC, Breaking Bad, conta outra história fortíssima. Um professor de química, vivido por Bryan Cranston, descobre um câncer de pulmão malígno aos 50 e poucos anos de idade. Depois de muito pensar em como faria para deixar sua família abastada – financeiramente falando, pelo menos – caso a morte fosse seu destino, encontra na produção de crystal (metanfetamina) a solução para seus problemas. O cenário, o plano de fundo da série, é completamente diferente do mostrado na produção brasileira de O Clone. Enquanto os filhinhos de papais estão viciando em cocaína – que é uma droga que realmente causa dependência quimíca mas que não chega aos pés dos cristais -, na trama norte-americana uma criança de 10 anos, aviãozinho do tráfico, é assassinada a sangue frio, ali, na cara dos telespectadores, sem cortes, sem censuras. A realidade tal qual ela é. Realidade esta que, inclusive, faz parte  do dia a dia das favelas brasileiras. O que foi a tentativa de se mostrar a realidade de uma favela na novela global Duas Caras, exibida em 2007? Não dá. Aquilo não é real. Até mesmo na linguagem obscena a televisão norte-americana bate na brasileira. Não que seja grande vantagem poluir mentes e ouvidos das pessoas com palavrões e expressões de baixo calão, mas é inegável o quanto isso aproxima a trama e seus personagens à realidade das pessoas.

Voltando à temática do beijo gay, um dos maiores canais de televisão aberta norte-americano, a rede ABC, não hesita em mostrar o que é necessário mostrar. A série Desperate Housewives, no ar há mais de sete anos, recebeu em 2009, em sua história, a personagem Robin Gallagher, interpretada por Julie Benz. No papel, Julie vive uma ex-stripper lésbica que se apaixona por uma das personagens do elenco fixo da série, Katherine Mayfair (interpretada por Dana Delany). O beijo lésbico entre as atrizes aconteceu muito rápido, no capítulo seguinte à introdução da personagem. Outra das housewives principais da série, Bree Van De Kamp, interpretada por Marcia Cross, lutou muito contra seus princípios (na maior parte, religiosos) e preconceitos pelo fato de seu filho, Andrew (Shawn Pyfrom), ter se assumido gay na adolescência.

À esquerda, elenco completo de Modern Family. No detalhe,
o beijo que ocorreu no episódio “The Kiss” entre os atores Jesse Tyler Ferguson e Eric Stonestreet

Modern Family, um dos carros-chefe do canal ABC no quesito comédia para família, é também uma produção, no mínimo, ousada. A série tem, entre seus personagens principais, um casal gay. Jesse Tyler Ferguson e Eric Stonestreet, Mitchel e Cameron, respectivamente, são pais de Lily e vivem tranquilos no subúrbio. Durante toda a primeira temporada da série, não houve nenhum beijo entre o casal. Os afetos limitavam-se a abraços, no máximo um beijo no rosto. Entretanto, a pedido da audiência, a direção da série voltou atrás na decisão e, no episódio do dia 29/9, “The Kiss”, o segundo da segunda temporada, o beijo entre o casal aconteceu. É disso que eu falo. Na época do veto na novela América, por exemplo, a repercussão foi gigantesca. Canais de entretenimento no Brasil e a grande parte da mídia online criticaram a decisão da Globo. E o que fora feito? Deixo para vocês responderem.

Essa pequena análise não quer dizer que desvalorizo tudo o que as produções nacionais já fizeram até aqui, pelo contrário. Acredito que, a partir da análise do que já nos fora apresentado até aqui e o que é apresentado lá fora, é mais do que intrínseco ao ser humano ansiar por mais. Não é só fato de um beijo gay ser vetado ou da realidade de uma favela não ser reproduzida de forma mais autêntica – como até chegou a acontecer em A Lei e o Crime, minissérie produzida e exibida pela Rede Record em 2009 – que me fazem querer fazer este comparativo. É um pouco além disso. Nossos autores, com a utilização da internet, cada vez ganham mais voz e provam por seus discursos que eles também gostariam que a arte no Brasil tivesse um tratamento diferente. É disso que tentei falar: a arte como um elemento de  integração da sociedade.

A série narra a história da produção de uma peça que ainda não tem personagens, muito menos roteiro, e que, quando estiver pronta, vai falar sobre a vida daqueles que a compuseram. Confuso? Um pouco. Mas se você perdeu o episódio de ontem, pode conferi-lo, em duas partes, no final desse post.

A idéia central de Clandestinos, a peça dentro da série, parece mesmo ser autoral. O próprio diretor, encarregado de selecionar os atores para a montagem, muito se assemelha a uma espécie de alterego do autor, João Falcão. Ou não. Mas é dele que saem as falas que mais se assemelham ao que estamos acostumados a ouvir do autor. Um texto mais lúdico, muitas vezes poético, como os diálogos de produções como A Máquina, A Dona da História e O Auto da Compadecida (baseado na obra de Ariano Suassuna, mas roteirizado por Falcão), de mãos dadas com a direção quase sempre ágil de Guel Arraes.

Inclusive parece vir de A Máquina as melhores e piores influências mostradas nesse episódio piloto. Entre as produções da tv Globo, o cenário da cidade de interior da personagem Adelaide, Três Corações, pode até lembrar a bem sucedida Hoje é dia de Maria; mas quem assistiu o filme protagonizado por Mariana Ximenes deve ter notado a profunda semelhança do estilizado cenário bucólico com Nordestina, cidade fictícia de A Máquina.

Mas o maior destaque desse primeiro episódio talvez tenha sido o elenco, recheado de rostos desconhecidos do público de televisão. E vale notar uma curiosidade: o nome de todos os personagens é o mesmo dos atores na vida real, o que ajuda a encaixar a própria série na metalinguagem da peça de teatro. Caso mais curioso é o das gêmeas, Giselle e Michelle Batista, que realmente fizeram parte do elenco de Malhação como foi mostrado. A trama das duas pode não ter sido a mais comovente do episódio, mas não deixou de emocionar ao mostrar o choque de realidade que duas irmãs, tão iguais na aparência, tomam ao se dar conta de que não há espaço para as duas na mesma profissão. Pelo menos não em uma profissão que tanto depende da aparência. Afinal, Ruth e Raquel podem ser duas, mas só há uma Glória Pires.

Já Adelaide de Barros, a quem coube destaque maior na estreia, transita entre o inspirado e o deslocado. Em diversos momentos a personagem soa como um clicê brejeiro, mas em tantos outros consegue alcançar o tom da menina cheia de sonhos, perdida na cidade grande. Mas, verdade seja dita, ela foi bastante prejudicada pela artificialidade da sua cena com Fábio Assunção. De qualquer forma, espero ter a sua sorte e me bater com o galã da próxima vez que estiver no Rio.

Fábio Enriquez, o diretor, e Elisa Pinheiro, a produtora, por enquanto apenas cumpriram um papel quase didático de colocar ordem em toda aquela bagunça. Elisa esteve melhor, mas sua voz exageradamente parecida com a de Heloísa Perissé me fez perder a paciência com a sua personagem mais rápido do que o normal.

Um dos momentos mais interessantes desse começo acabou sendo o que não era ficção. As cenas dos testes de elenco para a peça, na série, na verdade fazem parte do material de teste para a peça na vida real, como deixou claro João Falcão, em entrevista para o site da série:

“Tínhamos um material muito rico dos bastidores, do processo do projeto Clandestinos que queríamos aproveitar. Tivemos essa ideia de reproduzi-lo no estúdio e colocá-lo na série.

Acho que a coisa mais curiosa é o fato de estarmos fazendo uma série baseada em fatos reais, que aconteceram durante o processo da seleção de elenco para uma peça – que, por sua vez, também é baseada em fatos reais. Enfim, realidade que se completa na ficção. É um ciclo que acaba chegando na gente mesmo, porque de certa maneira é nossa história também.”

Pra quem gostou do projeto, uma boa notícia: o Fantástico vai mostrar em breve um documentário (ainda não finalizado) sobre Clandestinos.

Para mais informações sobre a peça, em cartaz no Teatro Teatro do Leblon, Rio de Janeiro visite o blog. 

Vez ou outra, alguma emissora nacional se aventura a produzir uma série que realmente se encaixe nos padrões internacionalmente conhecidos como “série”, e, ao que parece, chegou a vez do Multishow. O canal vem se especializando em programas de meia hora voltados para o público jovem, mas vinha majoritariamente investindo em séries com um viés de reality, programas como Morando Sozinho ou (a atração de gosto mais duvidoso do canal) As Pegadoras.

Pois com a chegada de programas como Bicicleta e Melancia, Os Gozadores e, principalmente, Vendemos Cadeiras, o Multishow parece tentar abraçar, de uma vez por todas, o mundo das séries. Bom, pelo menos das séries de comédia.

É hoje a estreia do que talvez seja o melhor exemplar nessa nova safra do Multishow. Vendemos Cadeiras é uma série idealizada e dirigida por Matheus Souza, que ficou conhecido principalmente no circuito indie, entre 2008 e 2009, ao dirigir o filme Apenas o fim. Matheus tem 22 anos e parece  ter tido as mesmas influências que muitos de nós tivemos ao crescer assistindo séries. Um dos vídeos que apresentam Vendemos Cadeiras ao público traz a atriz Clarice Falcão, uma das protagonistas, cantarolando uma musiquinha em que cita diversas séries tão conhecidas por nós, público cativo das produções norte-americanas.

Clarice se tornou nacionalmente conhecida ao integrar o elenco da novela A Favorita, mas quem gosta de assistir curtas no Youtube talvez a conheça de um projeto pessoal: Laços, vencedor do Project: Direct 2009. Completam o trio protagonista Wagner Santisteban, a cara mais conhecida do elenco, ator desde os anos 90 (quando, ainda criança, fazia Éramos Seis no SBT) e Gregório Duvivier, protagonista (e aparentemente alterego do diretor) do filme de Matheus, Apenas o fim.

Verdade seja dita, pelo material promocional da série, é difícil prever se o programa terá sucesso na sua empreitada ou não. Os momentos em que os personagens falam diretamente para a câmera (que você confere no vídeo logo abaixo) são promissores, mas as cenas em que se tenta fazer comédia parecem estar um pouco abaixo do que esperaríamos de uma série cômica. Ainda assim, acredito no projeto e aposto as minhas fichas hoje, 23/10, às 23 horas*, no Multishow.

* Para os leitores do Norte e Nordeste, a exibição da estreia ocorre às 22 horas.

Fica aqui o meu desejo de, depois da estreia dessa noite, criar uma nova categoria de série aqui no blog: Vendemos Cadeiras. Quem sabe com reviews semanais?

De 2002 pra cá muita coisa aconteceu. O blog virou um livro, o Mothern: Manual da Mãe Moderna, e o livro virou série no GNT, a primeira série de dramaturgia produzida pelo canal a cabo (uma parceria com a produtora Mixer).

Nunca ouviu falar? Só conhece pelo nome? Não tem problema, nós te apresentamos àquela que é, sem exageros, a melhor série produzida em solo brasileiro de 2006 pra cá. Mothern estreiou no final de 2006 com o episódio O Nascimento da Mothern, no qual conhecemos as quatro amigas: Beatriz, Mariana, Luiza e Raquel, enquanto acompanhamos o parto e a transformação de Bia em mais uma mothern, a última do grupo a finalmente experimentar a maternidade. E é uma pergunta de Bia, ainda no hospital, que deixa claro o tom da série: “Porque vocês não me contaram?”. Afinal, todo mundo fala das coisas sérias e bonitas de se ter um filho, mas esquece de avisar que a mãe fica acabada, que a barriga não vai embora depois que o filho nasce, e que junto com o bebê sai uma gosma nojenta! Pois é, parir é punk.

São três temporadas, cada uma com treze episódios que tratam de temas importantes relacionados a mães, filhos e relacionamentos de uma forma leve, descontraída e tantas vezes engraçada. Não é preciso ser mãe pra gostar (e cá estou eu como prova), afinal, antes de sermos mães, ou pais, todos somos filhos. E é assim que nos identificamos com grande parte das experiências vividas por essas mães modernas.

O elenco, na época da estreia, era completamente desconhecido do grande público, já que as quatro protagonistas são oriundas do teatro, o que contribui (e muito) na qualidade da série. Hoje a divulgação seria um pouco diferente, já que um dos maridos das motherns é Rafinha Bastos, nacionalmente conhecido graças ao CQC. Quem também acabou ficando famosa foi a melhor atriz mirim do elenco original: Klara Castanho, que esteve na Globo em Viver a Vida, como uma promessa de vilãsinha que o Ministério Público (oportunista como sempre) não deixou acontecer.

Mais o maior destaque do seriado é mesmo o excelente quarteto protagonista.

Mariana (Fernanda D’Umbra)

Chefe de cozinha, dona de restaurante e mãe solteira (ou quase isso), Mariana cuida da criança mais fofa da série sozinha.  Sua filha Bel (Klara Castanho) tem cinco anos e muita personalidade, o que acaba tornando sua mãe um pouco refém dos caprichos da menina. Ainda na primeira temporada conhecemos João, namorado de Mariana que conquista todo mundo, inclusive a Bel.

Beatriz (Juliana Araripe)

Bia é arquiteta e mãe de primeira viagem, e é com o seu parto que a série começa. Ela é casada com o Zé (Alexandre Freitas) e está aprendendo a ser mãe com o Filipe , um bebê fofo (Miguel de Azevedo Marques) que parece filho do vizinho! Das quatro motherns, Beatriz é provavelmente a que tem menos parafusos no lugar, e suas nóias encluem maluquices como “porque meu filho não sorri?” ou “meu filho só tem uma pinta minha!”.

Luiza (Melissa Vettore)

Luiza é a segunda mulher do Léo (Otávio Martins) e juntos eles tiveram a Nina (as gêmeas Giovana e Giulia Ramos). Quase sempre junto com os dois está Martim (Pedro Henrique Lemos), fruto do primeiro casamento de Léo, que Luíza trata como um filho. Claro, com algumas dificuldades com a mãe do garoto, afinal ela é a madrasta!

Raquel (Camila Raffanti)

Raquel, publicitária, é a representante da família clássica: mãe, pai e dois filhos. Seu marido Marcelo (Rafinha Bastos) é piloto de avião e vive mais longe de casa do que deveria. Laura (Pietra Pan) é sua filha mais velha mas com apenas três anos, e Pedro (Enrico Damaro) o caçula de dois… Já dá pra imaginar a confusão que crianças tão pequenas são capazes de aprontar, não?

Todos os episódios começam com algum depoimento de um sociólogo, psicólogo, etc. E como é de se imaginar, alguns são extremamente interessantes, como os do filósofo e doutor em Educação Mario Sergio Cortella, e outros (poucos) são extremamente chatos. Nada que o botão de flashforward não resolva.

Até o ano passado o GNT ainda reprisava a série. Hoje, Mothern passa no novo canal da Globosat, o Viva, aos sábados e domingos, às 18:30. Mas pra quem não tem o tv a cabo, no Youtube, você encontra grande parte dos episódios, principalmente da primeira e segunda temporadas. É o jeito, já que infelizmente só foi lançado o DVD da primeira temporada, com apenas dez episódios escolhidos como “os melhores”, bastante subjetivo não?

Pra terminar, faço minhas as palavras de Otávio Martins, o Léo, em seu blog. Ainda não viu? Assista. É uma das melhores coisas feitas em TV no Brasil.

A seguir você confere o primeiro episódio, que como em todo começo de série, ainda era um pouco cru. Daí em diante a série só evoluiu.

O Nascimento da Mothern

Curiosidades:

Com autoria de Antônio Calmon (A Justiceira, Mulher) com colaboração de Leandra Faria e Guilherme Vasconcellos e com direção de núcleo de Wolf Maya (Hilda Furacão, Cinquentinha) vem Na Forma da Lei, novo seriado da Rede Globo. A história gira em torno de cinco amigos, todos formados em direito, que se juntam para tentar incriminar o assassino de um amigo em comum. A série fala sobre temas recorrentes como corrupção e política, além de contar com ótimas participações especiais em seus 8 episódios.

Em 2003 Eduardo foi brutalmente assassinado por Maurício, na frente de seus amigos e sua noiva. Maurício, por ser filho do intocável senador João Carlos, foi julgado e inocentado, incitando o senso de justiça dos amigos de Eduardo, que 7 anos depois, já formados e cada um em seu emprego, encontram a chance de finalmente colocá-lo atrás das grades. Quando uma modelo é encontrada morta e as pistas indicam que Maurício está por trás do novo crime, a delegada Gabriela, a promotora Ana Beatriz, o advogado Edgar, o juiz Célio e o jornalista Ademir unem forças para que a justiça seja feita.

Ambientada no Rio de Janeiro, Na Forma da Lei teve um ótimo primeiro episódio, apesar de algumas atuações e situações forçadas. Todo o clima de mistério e cenas de violência deram um tom interessante, além dos cenários e figurinos propositalmente escuros manterem a série em seu curso. A cena do assassinato de Eduardo foi realmente forte e os crimes cometidos, assim como toda a corrupção, deixam o telespectador ansiar pela justiça, o que pode ser um ponto forte da atração, prendendo seu público até o final, onde, provavelmente, Maurício pagará pelos seus crimes. Como muito bem apontou a Cristal, o público não está acostumado com tamanha violência, que não foi desnecessária, ou seja, é um ponto a favor da Globo que precisa ter coragem ao impressionar quem assiste.

Apesar de ser um seriado, cada episódio terá início, meio e fim, com os cinco amigos enfrentando casos diferentes que levam sempre ao mesmo nome. No decorrer dos oito episódios, cerca de 80 atores participarão das cenas, mostrando um Rio de Janeiro escuro e sem sol e praia, para dar o clima pretendido. Tudo isso junto formou uma boa mistura nesse episódio piloto que me agradou e muito em uma produção nacional. Claro que nem por isso deixaram de ocorrer erros, como a reviravolta de novela com a descoberta de que o assassino Anselmo era filho do senador João Carlos. Foi forçado e muito parecido com o que vemos em nossas novelas. Porém, tirando isso, a história foi bem coerente e é mais um acerto da Globo.

Quanto as atuações, bem…Márcio Garcia (Maurício) é estilo Jane Lynch (Sue de Glee), interpreta bem, mas faz sempre o mesmo papel, o que não significa que foi ruim para a série. Ana Paula Arósio (Ana Beatriz), Henri Castelli (Edgar), Leonardo Machado (Célio) e Samuel de Assis (Ademir) fazem bem seus respectivos personagens, porém, Luana Piovani (Gabriela) destoa bastante do elenco principal, e não é fácil acreditarmos em sua personagem. As participações, por outro lado, são um show a parte. Luís Melo (João Carlos) arrebenta em todas as cenas, seja dizendo adeus a um filho ou batendo em outro. Eu tive o prazer de acompanhar o ensaio de uma de suas peças no Festival de Teatro de Curitiba em 2008 e posso afirmar que não é só na TV que Luís Melo brilha. O ator Jackson Costa foi outra boa surpresa como o assassino Anselmo, uma pena que seu personagem durou tão pouco. Carolina Ferraz (Maria Clara) é outra adição da série que só tem a acrescentar, assim como José Wilker (Dr. Mourão) e Ailton Graça (Moreira) e os que ainda vão aparecer Osmar Prado (Newton), Eva Wilma (Dra. Walfrida) e Paulo José (Dr. José), só para citar alguns.

Para quem ainda está indeciso, eu digo: assista!! Na Forma da Lei é uma série com um tema intrigante e incitante e que, pelo menos em seu episódio piloto, promete muito mais. Está na hora do Brasil também se firmar no mercado de boas séries, como Inglaterra e Canadá já vem fazendo. Na Forma da Lei pode ser apenas o começo.